Las Exposiciones de invierno de artistas nacionales e internacionales, tienen como curador al artista Ben Hagari, y las tres exposiciones individuales, son de los artistas Aviva Uri, Ivan Schwebel y Rotem Amizur.
Se exponen desde el 14 de enero al 20 de mayo de 2023.
La principal exposición de la temporada de invierno de 2023 en el Museo Herzliya Museo de Arte Contemporáneo es la exposición del grupo On Point, curada por el artista Ben Hagari. Es el resultado de una colaboración única y extensa con la colección de impresiones en papel del Centro Leroy Neiman para estudios de impresión en la Escuela de Artes de la Universidad de Columbia, Nueva York. La exposición presenta una fascinante selección de obras de artistas internacionales contemporáneos e históricos, incluidos los reconocidos como Jasper Johns, William Kentridge, Kiki Smith, Sarah Sze, Kara Walker, y más. Durante la última década, el Museo Herzliya ha tratado de ampliar la memoria histórica del arte local, a través de la cual se percibe el arte israelí contemporáneo. El museo ha presentado sistemáticamente exposiciones de artistas fallecidos, algunos conocidos y algunos olvidados de su legado artístico, en un intento por plantear una conciencia renovada de la singularidad y la importancia de su trabajo. Esta vez, dos exposiciones individuales están dedicadas a artistas importantes que estuvieron activos en Israel durante muchos años: Aviva URI (1922-1989) y Ivan Schwebel (1932-2011). Al mismo tiempo, el museo se esfuerza por presentar a los próximos artistas prometedores. Rotem Amizur es una joven artista para quien ésta es la primera exposición individual en un museo, curada por el artista IDDO Markus. Los dos han estado trabajando durante la última década como parte de un colectivo de artistas en Haifa. En su corazón, los collages de gran escala, basados en papel que representan una procesión triunfal inspirada en una reproducción de un libro antiguo, un fragmento de un gran mural del pintor renacentista Andrea Mantegna. Todas las exposiciones son una red de contextos internos mediales y conceptuales. Colectivamente, las exposiciones cuentan la historia del papel como una plataforma creativa, y de la línea dibujada que conserva el movimiento de la acción de dibujo. Esa línea, viva con vida en las exposiciones como una expresión de dinamismo, hace que su voz se escuche a través de un diálogo con campos creativos relacionados: ilustración, animación y cine. On Point Participantes: David Altmejd, James Stuart Blackton, Trenton Doyle Hancock, Buckminster Fuller, Elliot Green, Ben Hagari, Jasper Johns, Joan Jonas, William Kentridge, Jon Kessler, Dr. Lakra, Ofra Lapid, Len Lye, Lothar Meggendorfer, Jonas Mekas, Lotte Reiniger, Aki Sasamoto, Dasha Shishkin, Shahzia Sikander, Kiki Smith, Sarah Sze, Rirkrit Tiravanija, Tomas Vu-Daniel, Kara Walker, Leyes de George Weinberg y Terry Winters Curator: Ben Hagari Assistant Curator: Ofra Lapid en colaboración con El Centro Leroy Neiman para estudios de impresión en la Escuela de Artes de la Universidad de Columbia, Nueva York, la exposición es el resultado de la exploración personal en curso de la historia y los mecanismos de las imágenes en movimiento. Las imágenes en movimiento temprano, antes de la invención de la filmadora, fueron trabajadas en papel creadas a través de la grabación. En un momento de la rápida desaparición de la escritura a mano, esta exposición plantea la necesidad de crear cosas a mano, de producción idiosincrásica y trabajo nacido de los sueños. La exposición incluye grabados, collages, grabados, libros móviles, molzones, siluetas, películas, animaciones y nuevos trabajos de video, junto con obras históricas de archivos y colecciones. Las obras históricas se presentan en entornos teatrales que parecen proyectar el espacio del cine temprano fuera de sí mismo, ya que se proyecta que el mundo visible se proyecta dentro del cerebro de la información pasada por los agujeros de los ojos. Una línea ondulada o de baile emerge de las piezas al espacio y viceversa, vinculando las diversas salas de exposiciones. La línea que «cobra vida» sigue el movimiento de la mano de dibujo como un acto de magia. La exposición difumina la distinción entre humanos y cosas, entre objetos y sus usuarios, y entre acción en vivo y animación, y considera imágenes en movimiento a mano como tema, una forma y una cosmovisión. Ivan Schwebel FSP Pintura de pie co-curada por el Dr. Aya Lurie y Ori Drummer La exposición fue posible gracias a una estrecha cooperación con la familia del artista. Más de una década después de que Ivan Schwebel (1932-2011) falleció, esta exposición busca renovar el conocimiento del artista y su trabajo. A través del vasto material de archivo, dejó atrás, y entre los cientos de sus pinturas, dibujos, grabados y revistas de trabajo, se revela un artista total, impulsado, para quienes la pintura era una necesidad existencial y un refugio. Sus revistas de trabajo reflejan mucho su vida, ya que un guión gráfico refleja una película, a veces como una novela gráfica. Destacan elementos en sus obras de arte, como el pensamiento cinematográfico, la estética dinámica como la historieta y la cultura estadounidense. Schwebel nació en los Estados Unidos. En 1963, después de años de errores, entre Kyoto, París, Nueva York, Atenas, Córdoba, Tel Aviv y Jerusalén, se estableció en Ein Karem, Jerusalén. Sus pinturas aparecen en exposiciones en el Museo de Israel, Jerusalén, el Museo de Tel Aviv, el Museo de Arte de Mishkan, Ein Harod, y más. Mientras que su talento fue reconocido de inmediato, su frustración se montó mientras se encontraba gradualmente trabajando cada vez más fuera de la corriente principal. En el trabajo de Schwebel hay una conexión fundamental entre el acto de pintura y el mundo del cine, la imagen fotográfica y la edición cinematográfica. El corte cinemático crea una transición total e inmediata de un campo de visión a otro, un salto de un lado a otro en el tiempo y el espacio. Schwebel relató que para él, el lienzo era como una pantalla cinematográfica que permite que ocurra lo imposible. A menudo pintaba cortinas grandes a ambos lados del lienzo, como en un antiguo cine, delimitando el espacio imaginario. Estas pinturas, llenas de pathos, transmiten intensidad creativa. En muchas de sus obras, grabados o paisajes (urbanos o naturales) se utilizan como sustrato para pintar, al igual que un conjunto de películas arquitectónicas. En la mente de Schwelbel, las imágenes de los asuntos actuales corrieron al lado de los episodios de la historia judía. Así,, por ejemplo, sus pinturas muestran imágenes de documentales antiguos y fotografías del período del Holocausto, figuras de judíos humillados y soldados nazis, con imágenes que representan la expulsión de los judíos de España a través de las grotescos figuras del rey Ferdinand y la reina. Isabella (posiblemente referenciar a Fellini, cuyas películas admiró); Iconografía antisemita; Varias figuras de la historia del arte; y los iconos culturales y cinematográficos estadounidenses, destacando su afinidad con la cultura popular. En su proyecto de pintura de FSP, de la década de 1970, las paredes fueron construidas en Schwebel y las colocó en varios sitios en Israel. La pintura independiente también podría verse como una representación del propio pintor, sin duda libre y aparte. Las paredes, que se suponía que debían servir como un apoyo a las pinturas de paisajes, se encontraban como pantallas de impulso que se mantienen aisladas, a la vez enraizadas en el sitio y alienígenas y distintas de ella. Schwebel imaginó creando un proyecto similar en toda la ciudad de Nueva York, tan evidente de una serie de imágenes que concibió con las interpretaciones de collages urbanos que combinan fotografía y pintura. Estos planes, que nunca llegaron a fructificar, traer a la prótesis la retórica de las vallas publicitarias, y subrayan el fuerte impulso de Schwelbel para vincular el arte con la vida cotidiana y la calle. Aviva Uri: La Forza del Destino Obras del curador de la colección Benno Kalev: Investigador Benno Kalev y coleccionista Benno Kalev Curated Aviva Uri’s Exhibition, La Forza del Destino, basada en su exclusiva colección de arte, que está centrada en trabajos basados en papel. Durante años, con pasión y compromiso profundo, Kalev ha reunido una colección de las mejores obras de artistas modernos activos en Israel. La actual exposición atestigua el diálogo entre URI y KALEV, que fue uno entre un coleccionista y una obra de arte. Fue amor a primera vista, lo que se hizo más fuerte con cada nuevo trabajo de los de ella que vio. Otro diálogo que es evidente en la exposición es la relación romántica entre URI y David Hendler, en forma de dibujos de Hendler, así como en notas, notas de amor y cotidianos, intercambiados entre los dos. También se incluyen las obras de URI que habían sido donadas a la colección de Museo Herzliya por el Curador Tardío de Yona Fischer, y los retratos de ella por el fotógrafo Avraham Hay. Aviva Uri falleció el 1 de septiembre de 1989. En su vida, sus obras se exhibieron en las mejores galerías, y en casi todos los museos del país. Gracias a estas exposiciones, obtuvo un estatus canónico de un artista innovador y «un pintor de pintores». Su manejo de papel y la virtuosismo de su línea influyeron en los principales artistas de su época, quienes siguieron cada innovación y desarrollo en sus obras con intereses interesados. En 2005, se celebró una gran retrospectiva de la obra de URI en el Museo de Arte de Mishkan, Ein Harod (Cureated By Galia Bar o Jean-François Chevrier), pero de lo contrario, desde que pasaba, sus obras sólo han estado en exhibición en algunos Pequeñas «exposiciones conmemorativas», algunas de las cuales fueron a la venta con fines. Solo se han incluido algunas de sus obras en las exposiciones de recolección permanentes de los principales museos de Israel. ¿Qué posibilidad existe, incluso para un gran artista del calibre de Uri, continuar influyendo en la cultura israelí contemporánea, cuando sus obras se exhiben tan rara vez? Benno Kalev relata que durante más de cinco décadas ahora, ha estado intentando, a través de sus selecciones de arte como coleccionista, para conocerlo a sí mismo, para examinar lo que lo hizo preferir este artista o que; Para ver, con retrospectiva, ya sea que haya ningún criterio que lo guíe sin saberlo en ese momento. Después de todo, cuando adquiere una cierta pintura, no solo está conectando con el trabajo del artista, sino también con una parte de su propia parte de su personalidad o un sueño incumplido de su. La exposición examina la fina línea entre la fuerza creativa y la obsesión por su propio bien. Ya en las obras tempranas de URI, de la década de 1950 y principios de la década de 1960, la mayor parte de su vocabulario artístico es claramente perceptible. En algunas de sus obras, la línea es limpia, fluida, clara y austera, y completamente bajo su control, pero en otras obras está claro que desde el momento en que su lápiz tocó el papel, la línea en sí estaba a cargo. Rotem AMIZUR: El curador de Flatland: IDDO Markus The Flatland es un proyecto monumental que comenzó con el encuentro casual de Rotem Amizur con una reproducción pequeña y descolorida de un panel de nueve de los triunfos de César (1484-92), una pintura famosa por el artista renacentista Andrea Mantegna. Presentó innumerables interpretaciones de la estructura de la pintura, con colores fuertes y vibrantes, en una técnica mixta de pintura y collage. Su proyecto no busca explorar la pintura, ni busca imitarlo o copiarlo, sino para revelar sus temas subyacentes y construir una melodía diferente de ellos. El lenguaje híbrido de Amizur, uno entre la pintura y el collage, se basa en una variedad de tradiciones artísticas. Al mismo tiempo, se inspira en técnicas de acolchado y textil. Ella no oculta el proceso de hacer el trabajo: miles de agujeros diminutos en los trozos de papel que conforman los collages atestiguan los cambios que se sometieron a los cambios en el proceso creativo, un tipo de mapa que documenta el movimiento de sus manos mientras crearon y cambiaron, en su intento de lanzar un ancla. La materia prima en las obras de Amizur es un solo Libro Blanco, pintado uniformemente en pinturas industriales planas. Estas piezas simples de papeles sirven como base para diversas operaciones complejas y encuentros sorprendentes. Las piezas de papel de CUT-UP de Amizur son como los continentes que flotan tectónicamente en una tierra plana, y el resultado es una vista espectacular, cuya simplicidad surge de una artesanía magistral. La exposición es el resultado de un diálogo prolongado entre Amizur y el curador, el artista IDDO Markus.
